Gertrudes Altschul: Small Formats

Isabel Amado Fotografia & Luciana Brito Galeria
[Luciana Brito Galeria]
October 16, 2021 – January 29, 2022

Gertrudes Altschul played a pioneering role in the consolidation of modern photography in Brazil. In the lead up to the 60th anniversary of her death (1962), Luciana Brito Galeria, in a joint effort with Isabel Amado Fotografia, the exclusive representative of the artist’s works, is presenting the show Gertrudes Altschul: Pequenos Formatos [Gertrudes Altschul: Small Formats], as part of its Visiting Artist program. The artist is currently being recognized by two exhibitions at eminent museums: one at the Museum of Modern Art of New York (MoMA-NY), Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946–1964, and the other at the Museu de Arte de São Paulo, Filigrana [Filigree], the largest solo show ever held about her work. For its part, the show Pequenos Formatos features more than 35 small original vintage prints by the artist, made between 1948 in 1960, which were recently discovered by the family and are shown here for the first time. The exhibition presents a panorama that conveys the relevance of the artist’s production while engaging in direct dialogue with the modernist architecture of the former residence designed by Rino Levi.

From a Jewish background, fleeing the Nazi regime and German anti-Semitism, Gertrudes Altschul disembarked in Brazil with her family to set up residence in São Paulo, in 1939. From then onward, photography became an integral part of the artist’s life, whether for recording her everyday experience, or to help in creating the production molds for the family’s factory, which made ornamental flowers for hats and other decorative purposes. In the late 1940s, Gertrudes Altschul approached the Foto Cineclube Bandeirante, which was the epicenter for the leading lights of modern photography in Brazil, becoming one of the few female members. Together with Geraldo de Barros, German Lorca and Thomaz Farkas, the artist then began to practice photography in keeping with the experimental investigations of the São Paulo School of Photography, thinking of and using photography as a medium for artistic expression.

With innate artistic sensibilities, Gertrudes Altschul was adept at combining elements into a connected whole, whether in the capture of the object in her gaze, or by her skill at editing, which became a determinant process in the dynamics of her creation and production. Based on photographs made with a Rolleiflex camera, whose large negatives were better suited to experimentation, the artist already defined a specific rectangular framing based on the camera’s original 6 x 6 cm square film frame. It was through the manipulation of the angles that she managed to select what most interested her and to accentuate the graphic aspects of the image. Gertrudes Altschul was also adept at using the photogram technique, in which objects are positioned directly over the photographic paper and project their shapes onto it in ways that allow for the maximum exploration of their original forms, producing results that can also be seen at the exhibition.

In her production, the city of São Paulo – then in a phase of rapid geographical, economic and cultural growth – became the perfect scenario for photographic experiments, through a particular interest for modern industrial architecture, which was undergoing an intense process of verticalization with new real-estate developments. In photographing the city’s architecture and urban spaces, Gertrudes Altschul used vantage points, angles and framings that highlight their details and transform the referent into geometric abstraction. The work Concreto Abstrato [Abstract Concrete], featured in the exhibition, is considered one of the key works of modern photography in Brazil, and is a good example of the deconstruction of the object based on tight framing, re-signifying it within the constructivist aesthetic, then in vogue in Brazil during the 1950s.

Another striking aspect in her research, and unique among the modernist concept of that time, was the use of natural foliage and botanical motifs in her experiments with photography. The organic and geometric patterns typical of Brazilian vegetation attracted Gertrudes Altschul’s gaze, which empowered their natural qualities and geometric patterns through the dramaticity of light and perspective. Regarding this concept, the work Filigrana [Filigree], featured in the exhibition, is among the ten most important photographs of modernity worldwide, according to the curator of MoMA-NY and North American researcher, Sarah Meister.

SELECTED WORKS

Modern Photography

Isabel Amado Fotografia & Luciana Brito Galeria
[Luciana Brito Galeria]
November 21, 2020 – January 31, 2021

Luciana Brito Galeria and Isabel Amado Fotografia are joining forces once again to strengthen the partnership begun in 2019 and lend continuity to the work of disseminating Brazilian modern photography. In its second edition, the exhibition Modern Photography: Gaspar Gasparian, Geraldo de Barros, Gertrudes Altschul, Marcel Giró, Paulo Pires and Thomaz Farkas features a selection of photographs which very significantly recover the historical phase when Brazilian photography stepped away from pictorialism to begin an investigation into abstraction.

In a context of intense social, economic and political transformations, the 1940s and 1950s were fundamental for consolidating Brazilian photography within the visual arts. The impact of the processes of modernization of the large cities pushed photography to an entirely new artistic and conceptual level. Photography went from being a mere recording tool to a vehicle for technical and aesthetic visual experimentation and for the formalization of a new language in the arts. This discussion was brought to a higher level by the photo club movement, consisting of groups such as the FCCB (Foto Cine Clube Bandeirante), which promoted and organized this activity within the circuit. Photography then began to be considered as a means of artistic expression, which had the photo clubs as a form of organization and professionalization of this sector, through the training of photographers, technical improvements, and the systematization of production, along with the organization of shows, juried exhibitions and national and international competitions.

While they each present their own specificity within Brazilian modern photography, the artists chosen for this show share a common aim: the search for improvements that are not only technical, but also representative in the sense of escaping from traditionalism and renewing the concepts of photography in the Brazilian context. Abstractionism within photographic research represents a fundamental turning point for definitively positioning this language among the canons of art history. Shadows, textures, geometric shapes, darkroom experiments, the Sabattier effect and photograms were artifices intensely explored by these artists.

After nearly 70 years, the results of these undertakings can be assessed, since representative institutions in Brazil and other countries are focusing on the importance of this movement and on the advance of current photography around the world. For example, in March 2021 the Museum of Modern Art, New York, is inaugurating the largest exhibition ever held outside Brazil dedicated precisely to this facet of Brazilian history.

Artists
Gaspar Gasparian
Geraldo de Barros
Gertrudes Altschul
Marcel Giró
Paulo Pires
Thomaz Farkas

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MoMA exibe a moderna fotografia brasileira [PT]

O Estado de S.Paulo Newspaper
[By Antonio Gonçalves Filho]
October 08, 2020

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Museu norte-americano abre em 2021 exposição Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946-1964

Maior exposição da moderna fotografia brasileira montada fora do País, a mostra Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946-1964, que será aberta em março do próximo ano no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), terá 140 fotos de 60 fotógrafos do histórico Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB), grupo de amadores que representou o ápice do movimento fotoclubista no Brasil, atividade que se propagou, nos anos 1940, pelas principais capitais do País. A curadora da mostra, Sarah Meister, uma entusiasta que ajudou a ampliar a coleção de brasileiros no museu norte-americano, concedeu uma entrevista ao Estadão em que destacou a importância de fotógrafos modernos como Thomas Farkas – o primeiro a entrar no acervo do MoMA, em 1949 –, Geraldo de Barros, German Lorca, Gertrudes Altschul, José Yalenti e Marcel Giró, entre outros.

A ordem dos nomes citados não corresponderia, na época do Foto Cine Clube Bandeirante, à rígida hierarquia adotada para classificar os sócios nos anos 1940. Eles eram considerados novíssimos, júniors e seniors, dependendo do nível em que se encontravam – os autores do livro A Fotografia Moderna no Brasil, Helouise Costa e Renato Rodrigues da Silva, consideram o fotoclubismo uma atividade de caráter elitista, visto que a condição do fotógrafo clubista, segundo os autores, “era a do profissional liberal que, dono de uma situação financeira privilegiada, podia se dedicar à fotografia em suas horas vagas”. Em todo caso, alguns fotógrafos modernistas não se encaixam nesse perfil – e um bom exemplo é German Lorca, ainda ativo aos 98 anos, que trocou a profissão de contador ao abrir, em 1952, seu primeiro estúdio fotográfico.

“Desde a invenção da câmera Kodak, em 1889, fotógrafos com ambição artística lutaram para se distanciar do trabalho de amadores ou de simples profissionais interessados apenas em produção. E, como no caso de nosso contemporâneo Instagram, dentro do Foto Cine Clube Bandeirante havia muitos fotógrafos inventivos, ambiciosos, produzindo trabalhos inesquecíveis, enquanto outros eram menos originais”, avalia Sarah Meister.

O desafio para a curadora, ela admite, foi evitar que seu julgamento privado distorcesse o papel dos fotógrafos e seus respectivos trabalhos associados ao Foto Cine Clube Bandeirante. “Enquanto sinto ser muito importante para a exposição transmitir ao público o sentido da diversidade que caracterizou o clube, é igualmente essencial permitir uma apreciação mais detalhada dos trabalhos das figuras importantes desse cenário. No final, o centro da exposição e do catálogo que a acompanha são seis artistas que receberam considerações monográficas: Geraldo De Barros, German Lorca, Gertrudes Altschul, José Yalenti, Marcel Giró e Thomaz Farkas. Esses fotógrafos são artistas singulares, cujo trabalho merece maior reconhecimento, particularmente fora do Brasil.”

O movimento fotoclubista paulista foi, de fato, inovador a ponto de estabelecer parâmetros estéticos que definiram o modernismo fotográfico brasileiro e se afastaram tanto da fotografia documental do século 19 como do fotopictorialismo dominante no começo do século passado. Os membros do Foto Cine Clube Bandeirante souberam aproveitar a maré favorável do desenvolvimento industrial do País no pós-guerra, embora a curadora Sarah Meister estranhe o reduzido número de fotógrafos que acompanharam o nascimento da nova capital, Brasília, fundada sob o signo dessa nova era.

“É curioso como a fundação de Brasília foi quase ignorada pelo Foto Cine Clube Bandeirante”, observa a curadora. “Quando Farkas fotografou a nova capital, ele já não era mais integrante do clube, e as únicas imagens que aparecem no boletim (a revista mensal do FCCB) são uma página de propaganda da Kodak, de janeiro de 1961, e ‘Sentinela’, de um membro júnior chamado Mamede F. Costa, em julho/agosto do mesmo ano.”

Thomas Farkas não foi pioneiro só no registro da nova capital. Ao ingressar no Foto Cine Clube Bandeirante, por volta de 1945, ele ficou conhecido por seus enquadramentos anticonvencionais e ângulos insólitos. Outro que seguiu esse caminho e acabou fazendo novas experimentações foi Geraldo de Barros, o pioneiro do FCCB (ele entrou no clube em 1949) a realizar intervenções no processo fotográfico tradicional, enveredando por um caminho que o levou ao abstracionismo por meio de múltiplas exposições, cortes em cópias acabadas e simulação de uma outra realidade nessas variadas interposições.

Não se conclua por esses dois nomes que o FCCB fosse um Clube do Bolinha. Houve muitas Luluzinhas igualmente ousadas, que também gostavam de fotografar e estão na exposição do MoMA organizada por Sarah Meister. “As aquisições de fotos de artistas ligados ao FCCB incluem diversas artistas mulheres que considero do primeiro time, como Gertrudes Altschul, Dulce Carneiro e Barbara Mors”, diz ela.

O MoMA, segundo a curadora, tem mais de 30 mil fotos em seu acervo, desde os pioneiros da fotografia moderna na França (Eugene Atget, Cartier-Bresson) até norte-americanos como Walker Evans (o grande fotógrafo da Depressão) e Garry Winogrand (conhecido por suas fotos de rua). “Nas décadas mais recentes, temos feito esforços para ampliar nossa coleção com foco em regiões fora do eixo EUA-Europa, o que explica o crescimento dos latinos no acervo”, relata a curadora, citando recentes aquisições de obras de artistas brasileiros contemporâneos como Regina Silveira, Rosângela Rennó e Sofia Borges. “Vale lembrar que temos imagens registradas por Cláudia Andujar dos anos 1960”, cita a curadora. A primeira foto brasileira (de Farkas) entrou na coleção do museu americano em 1949 graças ao interesse do então diretor do MoMA (e também fotógrafo) Edward Steichen (1879-1973). Depois foi a vez de Geraldo de Barros (em 2005). Todas as outras fotos brasileiras foram compradas depois de 2013.

“Acho fascinante que, embora os pioneiros modernos brasileiros estivessem ligados aos avanços da época – e mais diretamente a Otto Steinert (fundador do grupo Fotoform) e outros associados à fotografia subjetiva –, a ligação deles com fotógrafos norte-americanos se restringiu a amadores. Aparentemente não tinham contato com Harry Callahan ou Aaron Siskind”, conclui a curadora.

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Modern Photography 1940-1960

Isabel Amado & Luciana Brito Galeria
[Luciana Brito Galeria]
June 29 – September 7, 2019

THE IDEA OF CONSTRUCTION AS A METAPHOR OF MODERNITY

Modern photography in Brazil was manifested through a wide range of different practices and approaches. Whether in photojournalism, in the photography of architecture, in photoclubs, in the production of photo documentaries, or even in fashion and advertising, what is observed are different ways of responding to a world in rapid transformation. The nine photographers featured in the show – Ademar Manarini, Eduardo Salvatore, Gaspar Gasparian, Geraldo de Barros, Gertrudes Altschul, Paulo Pires, Marcel Giró, Mario Fiori and Thomaz Farkas – were to a greater or lesser extent linked to the universe of the photoclubs and aimed to investigate the artistic potential of photography, free from the restraints of professionalism.

From different origins and backgrounds – some from families of immigrants – the photographers represented here produced their images under the impact of the process of modernization which, from the mid-1940s onward, reconfigured the look of the big cities in Brazil. In general, they resorted to photography as a tool able to express the new ways of seeing and experiencing the entirely new urban context. These aims were materialized through direct photography but also through experiments such as photograms, montages and the Sabattier effect. While some limited themselves to exercises of a formalist character, others sought to enlarge the understanding of photography beyond the characteristic repertoire of the photoclub and what was conventionally known as the province of photography.

Individual differences aside, it seems that the idea of construction runs as a common thread through all the images presented here. The verb “to construct”, as explained by the dictionaries, is synonymous with building, erecting and architecting. These actions are materialized in different ways in these photographs, which sometimes result from a rigorous gaze on the world, and sometimes spring from a creative clashing with the material, by way of manipulations. Not by chance, photography and architecture were manifestations of modernism in perfect tune with each other in Brazil in the period following World War II. Building new architectural forms and constructing a new photographic language shared in the same ideal of constructing a modern country, as is evident in the photo Canteiro de obras [Construction Site], which Thomaz Farkas produced during the construction of Brasília, in 1958.

A little more than sixty years later, this exhibition presents modern Brazilian photography from the viewpoint of the photoclub, in dialogue with the beautiful space designed by architect Rino Levi in the late 1950s, officially declared a municipal and state heritage site of São Paulo. If the power of this encounter recalls a special moment in the country’s history, it also reveals that our enchantment with these images is in large part due to how they hold the potentials of a promised future. Today, however, perhaps more than ever, they give us a strange feeling of nostalgia for what we did not manage to become.

[Text by Helouise Costa]

selected Clipping (portuguese)

Fotografia Moderna 1940-1960 [PT]

ARTE!Brasileiros Magazine
[Agenda]
August 1st, 2019

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Pela primeira vez, reúne-se em um casa modernista em São Paulo – a residência Castor Delgado Perez, de Rino Levi, sede da Luciana Brito Galeria – um conjunto expressivo de fotografias de Geraldo de Barros, Gertrudes Altschul, Thomaz Farkas, Ademar Manarini, Paulo Pires, Marcel Giró, Gaspar Gasparian, Eduardo Salvatore e Mario Fiori, representantes da vertente moderna da fotografia brasileira, linguagem que mudou radicalmente o conceito do que é arte no universo da fotografia e das artes visuais. Realizada em parceria com Isabel Amado, a exposição Fotografia Moderna 1940-1960 tem abertura em 29 de junho e pode ser visitada até 25 de agosto. Dado o interesse que esse período da produção fotográfica nacional tem ganhado na última década, Fotografia Moderna 1940-1960 propõe-se, com suas mais de 90 obras, a reunir fotos inéditas e outras que ainda não circularam ostensivamente e que, portanto, não são tão conhecidas do público. Com destaque para Geraldo de Barros, precursor do Concretismo no Brasil e cofundador do Grupo Ruptura, e Gertrudes Altschul, uma das poucas mulheres a ter a relevância de sua produção reconhecida neste período, a mostra espera contribuir, assim, para a ampliação do repertório visual que vem sendo construído em torno desses artistas. A fotografia moderna no Brasil aliou o desejo de inventividade e interpretação subjetiva do mundo no contexto do pós-guerra às especificidades dos movimentos de industrialização e urbanização brasileiros. Impulsionado pela fundação do Foto Cine Clube Bandeirantes, em 1939, o cenário da fotografia nacional observou uma efervescência única a partir da década de 1940, quando seus representantes se afastaram do pictorialismo academicista e abriram uma discussão sobre a essência do fazer fotográfico e sua autonomia enquanto forma artística em si e por si. São justamente os caminhos percorridos na busca por essa nova estética capaz de conferir à fotografia o estatuto de arte que podem ser vistos em Fotografia Moderna 1940-1960. Por um lado, essa investigação se deu no abandono de temas clássicos e pelo interesse pela abstração, pelo contrate entre luz e sombra, por cenários cosmopolitas e pela quebra de regras de perspectiva e composição. Em âmbito complementar, esses fotógrafos inauguraram uma visualidade marcada pela investigação dos recursos técnicos inerentes à própria mídia por meio de experiências laboratoriais e intervenções diretas no processo fotográfico como a múltipla exposição ou recortes de uma mesma chapa, a realização de fotogramas (quando os objetos eram colocados diretamente embaixo do ampliador, gerando fotografias sem a mediação de uma máquina fotográfica), superposições e desenhos executados diretamente no negativo. A fim de apresentar a autonomia do corpo de trabalho dos fotógrafos participantes – cujas obras integram o acervo de importantes instituições, como MoMA e Tate Modern – sem deixar de lado seus possíveis diálogos e pontos de contato, a expografia de Fotografia Moderna 1940-1960 divide-se em dois momentos. Enquanto a Sala Rino Levi da Luciana Brito Galeria é ocupada por ampliações vintage distribuídas de maneira tradicional, agrupadas por autor, no Anexo encontram-se as edições contemporâneas, reunidas por afinidades de assuntos, linguagens e temas. Assim, por exemplo, algumas das Fotoformas mais ilustres de Geraldo de Barros podem ser vistas ao lado de suas ampliações de desenhos sobre negativo com ponta-seca e nanquim, ou, ainda, as fachadas que beiram a abstração de Thomaz Farkas são acompanhadas não apenas por seu trabalho de interesse documental como também por experimentações surrealistas. De forma semelhante, fotogramas, estudos de composição e até naturezas-mortas vintage, além de ampliações contemporâneas de seus estudos arquitetônicos, representam a ampla gama do corpo de trabalho de Gertrudes Altschul na mostra.

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A aura, a reprodutibilidade e o vintage [PT]

ARTE!Brasileiros Magazine
[By Tadeu Chiarelli]
July 24, 2019

Caixas de Luz, 1950, de Marcel Giró

Caixas de Luz, 1950, de Marcel Giró

O que diria Walter Benjamin se reaparecesse por aqui? Como reagiria frente à arte e sua reprodutibilidade depois, sobretudo, da internet e dos smartphones? Reveria sua crença na perda da aura da obra de arte diante da suposta desartização das obras produzidas com os meios tecnológicos? E quanto ao valor de culto da arte tradicional, Benjamin confirmaria que ele foi, de fato, suplantado pelo valor de exibição?

Entusiasta da propagação da arte pelos meios de reprodução, Benjamin via a fotografia e o cinema como fundamentais para a democratização da obra de arte. Reproduzida ou produzida por esses meios, ela seria finalmente despojada do prestígio ligado à sua suposta origem religiosa, possibilitando, assim, uma outra relação com o homem comum. Nesta nova situação, todos passariam a ser vistos não mais apenas como receptores, mas também como produtores possíveis.

Passadas décadas da publicação do ensaio de Benjamin, “A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica”, filas e filas se formam para ver de perto a Mona Lisa, de da Vinci, no Louvre (cuja imagem foi e é reproduzida inúmeras vezes) – para ficarmos apenas com um único exemplo ligado às artes visuais. Hoje filmes os mais diversos são “cult”. “Cult” é também o título de uma revista dedicada ao culto da cultura e de uma plataforma do Telecine on demand; “cult” é a cantora trans, como também “aquela” fotografia “daquele” fotógrafo.

Segundo Benjamin, a obra de arte tradicional trazia com ela o valor de culto por causa da aura que dela emanava: ela era única, preciosa mas, na medida em que perdeu essas qualidades, devido aos processos de reprodução, passou a ser igual a todos os tipos de objetos, restando-lhe apenas o seu valor de exibição, ou seja, sua capacidade de estar em todos os lugares.

Qualquer fotografia, portanto, teria como base o seu valor de exibição suplantando qualquer possibilidade de possuir ou vir a possuir algum valor de culto. Afinal em sua própria condição de existência, reina sua capacidade de se reproduzir indefinidamente, certo? Não, errado. Não há dúvidas de que as câmeras digitais acopladas a celulares estão levando a proliferação da fotografia a patamares até então impensáveis. Entretanto, ao mesmo tempo em que os smartphones transformam seus proprietários em produtores compulsivos de fotografias que se espalham e se exibem rapidamente por todo o globo, existem fotografias que têm seu valor intrínseco de exibição restringido, sendo a ele sobreposto o antigo valor de culto.

Existe no mundo um conjunto de fotografias cujo valor de culto é criado por terem como característica o fato de serem vintage (foram reproduzidas na época de sua captação pelos próprios autores, elevados agora à condição de artistas e não de “meros” fotógrafos), ou por fazerem parte de uma produção post mortem, porém com um número limitado de exemplares. São essas relíquias sobreviventes de um tempo heroico qualquer – construído pela história e/ou pelo mercado –, que nos fazem peregrinar por museus e galerias a prestar-lhes homenagens, que fazem com que nos desloquemos para esses templos a fim de compartilharmos com poucos o nosso deleite frente àqueles fetiches quase únicos, praticamente únicos.

Os advérbios “quase” e “praticamente”, neste contexto, alertam para um fato na prática inquestionável: postar-se diante de uma fotografia produzida, por exemplo, em 1939, e que teve apenas alguns exemplares produzidos por aquele ou aquela que captou a imagem, é como estar frente a uma pintura. E isso porque, hoje em dia, um exemplar de, por exemplo, seis reproduções idênticas produzidas há 80 anos – num mundo saturado de imagens –, é capaz de fazer emanar uma autenticidade, uma aura de mistério e revelação (não é isso o que os objetos votivos provocam em quem os olha?), que nos embriaga de puro deleite, como se ele fosse único.

Se fitar essas imagens raras é um deleite, possuí-las, então, é um sonho de poder e gozo. E, por mais cara que possa ser uma fotografia vintage, ou de restrita edição, quase sempre ela é mais acessível do que “aquela” pintura ou “aquela” escultura que sobretudo o colecionador médio nunca irá possuir.

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Essas questões surgiram a partir da visita à Fotografia Moderna 1940-1960, em cartaz na Luciana Brito Galeria, em São Paulo. A mostra possui uma particularidade: apresenta obras de alguns dos fotógrafos brasileiros modernos mais prestigiados no espaço que antes foi uma residência projetada pelo arquiteto modernista Rino Levi. Difícil melhor container para abrigar alguns vintages de Geraldo de Barros, Thomas Farkas e outros, além de obras de uma única fotógrafa, Gertrudes Altschul. O espaço concebido por Levi traz solenidade às obras, dado que renova/amplia a aura que delas emana (embora a própria aura da casa também não deixe de impregná-las).

Se a exposição se inicia com alguma tibieza, com algumas obras de Paulo Pires, dentro da cartilha do que deveria ser uma fotografia em “estilo moderno”, logo na sequência ela passa a apresentar a dimensão experimental alcançada pela fotografia do período. Se na mostra se destacam os sempre estimulantes Geraldo de Barros e Thomaz Farkas, a grata surpresa foram as fotos de Marcel Giró, um modernista cuja produção mereceria ser mais divulgada.

Se os fotógrafos presentes na mostra, cada um à sua maneira, acreditavam que a fotografia poderia ser encarada e produzida como arte ou, mais como uma das “belas artes” (em alguns casos), não resta dúvida de que conseguiram provar que tais disposições eram possíveis, quer pela obediência às normas foto-clubistas então imperantes, quer pelo rompimento das mesmas. Hoje, devidamente emolduradas e dispostas em um ambiente que as reflete e endossa, reiteram a aparente falência dos constructos teóricos de Walter Benjamin, aqui comentados, em parte solapados pelos próprios fotógrafos, pelo mercado de arte e pelo colecionismo que conseguiram transformar aquelas peças em “quase” originais – objetos de deleite e de culto.

Tanto para aqueles que não se importam com tais questões, quanto para os que as consideram fundamentais para pensar sobre o estatuto da fotografia nos dias de hoje, Fotografia Moderna 1940-1960 é uma exposição obrigatória.

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Exposição reúne nove fotógrafos históricos [PT]

O Estado de S.Paulo Newspaper
[By Antonio Gonçalves Filho]
June 27, 2019

Composição da alemã Gertrudes Altschul feita com escova e pente

Composição da alemã Gertrudes Altschul feita com escova e pente

A mostra Fotografia Moderna 1940-­1960, que será aberta dia 29, sábado, na Luciana Brito Galeria, traz imagens de Thomaz Farkas e Gaspar Gasparian, entre outros

A arquitetura moderna da residência Castor Delgado Perez, projeto assinado em 1958 por Rino Levi (1901-­1965), é o cenário ideal para uma mostra como Fotografia Moderna 1940-­1960, que a Luciano Brito Galeria abre neste sábado, dia 29, em parceria com Isabel Amado. Foi exatamente no período final coberto pela mostra que Brasília começava a sair do papel e João Gilberto lançava a primeira gravação da bossa-­nova (Chega de Saudade, de 1958, mesmo ano da casa de Rino Levi). Com jardins projetados por Burle Marx e sua volumetria pura, a casa era o tipo de projeto arquitetônico que os fotógrafos experimentais da época adoravam registrar – e a exposição, com quase uma centena de imagens de nove fotógrafos, tem composições geométricas que usam edifícios modernos como modelos.

Hoje presentes nos acervos de grandes instituições internacionais, como o Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) e a Tate Modern de Londres, esses fotógrafos, de diferentes origens, tiveram em comum um clube de profissionais liberais que faziam experiências com fotografia, o Foto Cine Clube Bandeirante, fundado em 1939. Dos exemplos marcantes que participaram dele, Gaspar Gasparian (1899­1966), Geraldo de Barros (1923-­1998) e Thomaz Farkas (1924-­2011) são imediatamente associados ao experimentalismo que caracterizou a moderna fotografia brasileira dos anos 1940 em diante.

“Na época, os fotógrafos brasileiros estavam deixando para trás a referência pictorialista para enveredar por outro caminho”, lembra a curadora Isabel Amado. Um exemplo foi Gaspar Gasparian que, nascido no fim do século 19, se tornou conhecido como o introdutor da sintaxe visual moderna da chamada Escola Paulista, grupo informal ligado à estética da arquitetura brutalista. Contemporânea de Gasparian, a alemã Gertrudes Altschul (1904-­1962), uma das raras mulheres do Foto Cine Clube Bandeirante, tinha pelos edifícios modernos o mesmo apego, dedicando-­se a explorar a temática urbana, além de, a exemplo de Gasparian, fotografar objetos cotidianos e seus reflexos.

Dos nove integrantes da exposição Fotografia Moderna 1940-­1960, três vieram da Europa fugindo do nazi-­fascismo: a berlinense Gertrudes Altschul, o catalão Marcel Giró (1913-­2011) e o húngaro Thomaz Farkas. É possível identificar nas fotos dos três elementos da vanguarda europeia (o construtivista russo Rodchenko, em particular).

A exposição Fotografia Moderna 1940-­1960, além de fotógrafos internacionalmente reconhecidos, tem imagens que ajudaram a mudar o panorama de um país que abandonava seu passado colonial e ingressava na modernidade. Há nela fotógrafos como Thomaz Farkas que, em 1949, a convite do criador do Masp, Pietro Maria Bardi, realizou a primeira exposição de fotografia do museu, introduzindo sua linguagem abstrato-­geométrica ao público. É possível pensar em Farkas como um discípulo tardio de Rodchenko, mas seria injusto não citar a influência de outros vanguardistas – e o nome do seu patrício húngaro Moholy-­Nagy é incontornável quando se vê uma foto de Farkas como o um edifício visto em contra-­plongée sintetizado numa construção gráfica.

Outro exemplo anteriormente citado é o do catalão Marcel Giró, visto nesta página num autorretrato de 1953, ano em que abriu o próprio estúdio em São Paulo, tornando-­se pioneiro da fotografia publicitária no Brasil e mestre de fotógrafos como J.R. Duran e Márcio Scavone. Igualmente inspirado pelos grandes nomes do construtivismo e da Bauhaus, como Farkas, Giró foi, a exemplo de Gasparian, um pictorialista que trocou o realismo pelas composições de caráter experimental – como seu autorretrato diante de um prédio moderno.

A vocação dos fotógrafos ligados ao Foto Cine Clube Bandeirante era determinada, em certa medida, pelo convívio com artistas de formação ou diretamente ligados ao concretismo, sendo Geraldo de Barros o exemplo imediato dessa escola, expandido as fronteiras do processo fotográfico tradicional ao intervir diretamente nos negativos. É também um dos mais caros da exposição, que tem fotografias com preços variáveis entre R$ 13 mil e R$ 200 mil.

Ligado ao movimento concreto desde seus primórdios – o grupo Ruptura, de 1953, coordenado por Waldemar Cordeiro – o fotógrafo Ademar Manarini (1920-­1989), que foi industrial, como Geraldo de Barros, designer de móveis, tinha, como todos os fotógrafos da Escola Paulista, interesse na construção geométrica ao compor suas imagens. Prova disso é sua foto reproduzida a seguir (uma passarela no largo Ana Rosa em 1950). A multiexposição seria frequente na obra de Manarini – e essa foi uma característica dos fotoclubistas da época, sendo um dos expoentes do Foto Cine Clube Bandeirante Eduardo Salvatore (1914-­2006), representado na exposição com uma foto que integra o acervo do MoMA, Os Bancos (1960).

Foto do Largo Ana Rosa feita nos anos 1950 por Manarini

Foto do Largo Ana Rosa feita nos anos 1950 por Manarini

A mostra traz ainda fotografias de Mario Fiori (1908-­1985) e Paulo Pires (1928-­2015). O primeiro, filho de imigrantes italianos, foi alfaiate e enfermeiro, antes de se integrar ao Foto Cine Clube Bandeirante em 1948. É dele uma enigmática foto conceitual, Dia de Folga, que resume seu título numa corrente. Paulo Pires, na linha de Manarini, registrou a transformação da metrópole, mas não de forma documental. Suas imagens resultam de um sofisticado trabalho de composição.

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Fotografia Moderna 1940-1960 [PT]

Arte que Acontece
[Agenda]
June 27, 2019

Pela primeira vez, reúne-se em um casa modernista em São Paulo – a residência Castor Delgado Perez, de Rino Levi, sede da Luciana Brito Galeria – um conjunto expressivo de fotografias de Geraldo de Barros, Gertrudes Altschul, Thomaz Farkas, Ademar Manarini, Paulo Pires, Marcel Giró, Gaspar Gasparian, Eduardo Salvatore e Mario Fiori, representantes da vertente moderna da fotografia brasileira, linguagem que mudou radicalmente o conceito do que é arte no universo da fotografia e das artes visuais. Realizada em parceria com Isabel Amado, a exposição “Fotografia Moderna 1940 – 1960” propõe-se, com suas mais de 90 obras, a reunir fotos inéditas e outras que ainda não circularam ostensivamente e que, portanto, não são tão conhecidas do público.

Com destaque para Geraldo de Barros, precursor do Concretismo no Brasil e cofundador do Grupo Ruptura, e Gertrudes Altschul, uma das poucas mulheres a ter a relevância de sua produção reconhecida neste período, a mostra espera contribuir, assim, para a ampliação do repertório visual que vem sendo construído em torno desses artistas. A fotografia moderna no Brasil aliou o desejo de inventividade e interpretação subjetiva do mundo no
contexto do pós-guerra às especificidades dos movimentos de industrialização e urbanização brasileiros. Impulsionado pela fundação do Fotocineclube Bandeirantes, em 1939, o cenário da fotografia nacional observou uma efervescência única a partir da década de 1940, quando seus representantes se afastaram do pictorialismo academicista e abriram uma discussão sobre a essência do fazer fotográfico e sua autonomia enquanto forma artística em si e por si.

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Fotografia Moderna 1940-1960
Abertura: 29/06/19, 12h-18h
Visitação: até 07/09/19; terça a sexta, 10h-19h; sábado, 11h-18h
Luciana Brito Galeria: Avenida Nove de Julho, 5162, São Paulo. Entrada gratuita

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Poder e Sufocamento no MIS-SP [PT]

FHOX
[Exposições]
August 15, 2017

Parte da coleção de fotografias da Fundação Marcos Amaro (FMA) ganha mostra em São Paulo

Desde que criou a Fundação que leva seu nome, em 2012, Marcos Amaro tem como objetivo levar a arte para todas as camadas da população, tanto por meio de suas produções artísticas como pelo acervo. A partir do dia 15 de agosto, parte de sua coleção de fotografias será apresentada pela primeira vez na exposição Poder e Sufocamento, no Museu da Imagem e do Som (MIS), em São Paulo.

Para selecionar 22 das mais de cem que compõem este acervo, Isabel Amado assina a curadoria. “É importante disponibilizar o acesso a esse conjunto que representa grande parte da produção contemporânea e que faz pensar sobre uma visão humanista das cidades”, afirma.

A primeira fotografia adquirida por Amaro, Mundo Injusto, de Luiz Garrido, foi também uma das três que norteou o recorte que a curadora propõe. Junto dela uma de Carlos Vergara e outra de Pedro David, que dão título à exposição. “Queremos induzir essa reflexão: Como lidar com esses dois estados, de poder e sufocamento?”, diz ela. Formando a narrativa visual entram então os fotógrafos: Armando Prado, Bruno Veiga, Cássio Vasconcellos, Claudio Edinger, Coletivo Garapa, Iatã Cannabrava, João Farkas, Julio Bittencourt, Marcel Gautherot, Marlene Bergamo, Nelson Kon e Tuca Vieira.

Amaro começou a colecionar fotografia em 2010 com o projeto “Trecho 2.8”, que tinha por objetivo resgatar a autoestima de adultos em situação de rua por meio da arte. “Aquele olhar deslocado que denunciava total vulnerabilidade social me chamou a atenção para a força que a fotografia podia ter como instrumento político de liberdade em deflagrar a opressão”, conta o colecionador. A partir daí, conheceu os trabalhos de artistas contemporâneos que dialogavam com essa questão estética e existencial.

A fotografia da favela de Paraísopolis, de Tuca Vieira, por exemplo, coloca em primeiro plano o contraste entre duas realidades: os prédios com piscinas e quadra de tênis e a comunidade, logo à frente. Repercutida no mundo todo, nem sempre com os créditos devidos ao autor, Tuca disse: “Essa foto talvez me faça atingir o que deveria ser o grande objetivo de um artista: provocar uma reflexão sobre o mundo e não sobre a obra e seu autor”. E essa talvez seja a melhor explicação também para se colocar um acervo “para passear”. “Minha maior intenção é demonstrar a potência do acervo fotográfico deflagrando espaços que tentam oprimir e diminuir a liberdade do indivíduo”, completa Amaro.

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Power and Suffocation

Poder e Sufocamento | MIS [PT]

Dasartes Magazine
[Agenda]
August 15, 2017

Parte da coleção da Fundação Marcos Amaro (FMA) será apresentada pela primeira vez com curadoria de Isabel Amado e fotógrafos como Cássio Vasconcellos, Iatã Cannabrava, João Farkas, Julio Bittencourt, Luiz Garrido, Marcel Gautherot, Pedro David e Tuca Vieira

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Desde que criou a Fundação que leva seu nome, em 2012, Marcos Amaro tem como objetivo levar a arte para todas as camadas da população, tanto por meio de suas produções artísticas como pelo acervo. A partir do dia 15 de agosto, parte de sua coleção de fotografias será apresentada pela primeira vez na exposição Poder e Sufocamento, no MIS – Museu da Imagem e do Som, instituição da Secretaria da Cultura do Estado São Paulo, com entrada gratuita.

Para selecionar 22 das mais de 100 que compõem este acervo, Isabel Amado assina a curadoria. “É importante disponibilizar o acesso a esse conjunto que representa grande parte da produção contemporânea e que faz pensar sobre uma visão humanista das cidades”, afirma.

A primeira fotografia adquirida por Marcos, Mundo Injusto, de Luiz Garrido, foi também uma das três que norteou o recorte que a curadora propõe. Junto dela uma de Carlos Vergara e outra de Pedro David, que dão título à exposição. “Queremos induzir essa reflexão: Como lidar com esses dois estados, de poder e sufocamento?”, diz ela. Formando a narrativa visual entram então os fotógrafos: Armando Prado, Bruno Veiga, Cássio Vasconcellos, Claudio Edinger, Coletivo Garapa, Iatã Cannabrava, João Farkas, Julio Bittencourt, Marcel Gautherot, Marlene Bergamo, Nelson Kon e Tuca Vieira.

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Poder e Sufocamento no MIS [PT]

arte|ref
[Eventos]
August 15, 2017

Mostra Poder e Sufocamento reúne acervo de fotografias contemporâneas no MIS 

Parte da coleção da Fundação Marcos Amaro (FMA) será apresentada pela primeira vez com curadoria de Isabel Amado e fotógrafos como Cássio Vasconcellos, Iatã Cannabrava, João Farkas, Julio Bittencourt, Luiz Garrido, Marcel Gautherot, Pedro David e Tuca Vieira

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Desde que criou a Fundação que leva seu nome, em 2012, Marcos Amaro tem como objetivo levar a arte para todas as camadas da população, tanto por meio de suas produções artísticas como pelo acervo. A partir do dia 15 de agosto, parte de sua coleção de fotografias será apresentada pela primeira vez na exposição Poder e Sufocamento, no MIS – Museu da Imagem e do Som, instituição da Secretaria da Cultura do Estado São Paulo, com entrada gratuita.

Para selecionar 22 das mais de 100 que compõem este acervo, Isabel Amado assina a curadoria. “É importante disponibilizar o acesso a esse conjunto que representa grande parte da produção contemporânea e que faz pensar sobre uma visão humanista das cidades”, afirma.

A primeira fotografia adquirida por Marcos, Mundo Injusto, de Luiz Garrido, foi também uma das três que norteou o recorte que a curadora propõe. Junto dela uma de Carlos Vergara e outra de Pedro David, que dão título à exposição. “Queremos induzir essa reflexão: Como lidar com esses dois estados, de poder e sufocamento?”, diz ela. Formando a narrativa visual entram então os fotógrafos: Armando Prado, Bruno Veiga, Cássio Vasconcellos, Claudio Edinger, Coletivo Garapa, Iatã Cannabrava, João Farkas, Julio Bittencourt, Marcel Gautherot, Marlene Bergamo, Nelson Kon e Tuca Vieira.

Marcos Amaro começou a colecionar fotografia em 2010 com o projeto Trecho 2.8, que tinha por objetivo resgatar a auto estima de adultos em situação de rua por meio da arte. “Aquele olhar deslocado que denunciava total vulnerabilidade social me chamou a atenção para a força que a fotografia podia ter como instrumento político de liberdade em deflagrar a opressão”, conta o colecionador. A partir daí, conheceu os trabalhos de artistas contemporâneos que dialogavam sempre com essa questão estética e existencial. 

A fotografia da favela de Paraisópolis, de Tuca Vieira, por exemplo, coloca em primeiro plano o contraste entre duas realidades: os prédios com piscinas e quadra de tênis e a comunidade, logo a frente. Repercutida no mundo todo, nem sempre com os créditos devidos ao autor, Tuca disse: “essa foto talvez me faça atingir o que deveria ser o grande objetivo de um artista: provocar uma reflexão sobre o mundo e não sobre a obra e seu autor”. E essa talvez seja a melhor explicação também para se colocar um acervo “para passear”. “Minha maior intenção é demonstrar a potência do acervo fotográfico deflagrando espaços que tentam oprimir e diminuir a liberdade do indivíduo”, completa Marcos.

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Sobre a FMA
A Fundação Marcos Amaro é uma organização cultural privada sem fins lucrativos. Como missão, tem o intuito de difundir a obra do artista Marcos Amaro, incentivar a produção artística contemporânea, acessibilizar o acervo e produzir conteúdo crítico a fim de investigar e documentar os caminhos da arte. Para isso, tem um criterioso programa de exposições, o edital anual de apoio a artistas, a premiação anual de destaque para melhor produção criativa, o estímulo à pesquisa acadêmica, além da promoção de debates e projetos especiais em espaços públicos.

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Farkas e outros grandes fotógrafos ganham mostra gratuita no MIS [PT]

Catraca Livre
[Agenda]
August 11, 2017

Paraisópolis, 2004, de Tuca Vieira

Paraisópolis, 2004, de Tuca Vieira

Direto da Fundação Marcos Amaro para as paredes do Museu da Imagem e do Som (MIS), fotos de consagrados fotógrafos contemporâneos são exibidas na mostra Poder e Sufocamento, de 15 de agosto a 10 de setembro, com entrada Catraca Livre.

A exposição conta com 22 das mais de 100 fotografias que compõem o acervo da FMA, produzidas por nomes como João Farkas, Tuca Vieira e Claudio Edinger.

Obras de Luiz Garrido, Carlos Vergara e Pedro David foram escolhidas para nortear a mostra, que propõem um olhar sobre momentos de vulnerabilidade social e opressão, apresentando a força da fotografia como instrumento político de liberdade.

Entre os outros fotógrafos escolhidos para a exposição estão Armando Prado, Bruno Veiga, Cássio Vasconcellos, Coletivo Garapa, Iatã Cannabrava, Julio Bittencourt, Marcel Gautherot, Marlene Bergamo e Nelson Kon.

Talvez uma das fotografias mais icônicas é a da favela de Paraísopolis, em que Tuca Veira mostra o contraste entre duas realidades: os prédios luxuosos do Morumbi, com piscinas e quadras, e a comunidade, separadas apenas por um muro. Há mais de 15 anos, a imagem foi publicada na Folha de São Paulo e repercutida no mundo todo, e, agora, desembarca no MIS.

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MSV432

Rafael Adorján
[Galeria da Gávea / Editora Madalena]
2017

Photobook by Rafael Adorján
Portuguese / 36 pages